追逐。畢卡索 To Find Pablo Picasso

2019-10-09
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當我們談及現當代藝術時,畢卡索或許已是一個「過時」的概念,但卻是一個無法繞開的里程碑似的傳奇。每隔幾年,他的作品價格又會刷新拍賣紀錄;他的情色緋聞也仍是藝術圈的話題;從畢卡索去世以後,世界各大博物館、美術館仍舊每年都會推出不同主題、性質的畢卡索展,很少有藝術家的展覽會如他一般,常展常新,話題不斷。

華人世界迄今為止最為重要的巴勃羅‧畢卡索(1881-1973)作品展【畢卡索:一位天才的誕生】,日前在北京開展,103件真跡共同展示了這位現代藝術史上最為大膽、最具原創性、最為多產的天才──畢卡索的藝術創作的形成與演變過程。

 

執行、文字╱黃輝 攝影╱仲春之會 圖片提供╱UCCA尤倫斯當代藝術中心

 

在中國遇見畢卡索

1983年,畢卡索真跡在中國首次亮相,藝術界嘩然,曾經只能透過模糊圖片認知的現代藝術大師之作,進入中國。

28年後的2011年,【畢卡索中國大展】啟幕,62件大師真品來到上海,被稱為「有史以來級別最高的世界藝術大師個展」。

8年後的2019年6月15日,被稱為「華人世界迄今為止最大規模畢加索作品展」的【畢卡索:一位天才的誕生】於UCCA尤倫斯當代藝術中心(UCCA Center for Contemporary Art)正式開幕,該展囊括多種媒介創作的103件原作,其中有34件繪畫、14件雕塑,還有55件紙上作品,全面回顧畢卡索創作生涯的前30年,6個不同時期作品,呈現「天才」的演變與創新。

重點呈現的30年,涵蓋了青年畢卡索的藝術發現與醞釀時期。其風格經歷了從學徒時代的學院派現實主義,到戰後向古典風格的回歸;從藍色時期和玫瑰時期交替出現的憂鬱和情感相關主題,到他具有開創性的原始主義探索等諸多變化。

國立巴黎畢卡索博物館(The Musée Picasso Paris)藏品總監、本次展覽策展人艾蜜莉亞‧菲利普(Emilia Philippot)表示:選取畢加索藝術創作的前30年,這是藝術家高產且富有創造力的一段時期。透過這些作品,我們得以見證這位藝術奇才如何在極短的時間內,吸收古代藝術精華,在學習同代藝術家的風格下,質疑傳統的藝術表現手法並開創新風。

【畢卡索:一位天才的誕生】是UCCA尤倫斯當代藝術中心成立以來的首個現代藝術大師展,也是為華人世界觀眾量身打造的展覽。UCCA館長兼CEO田霏宇以「策劃的最精心,涵蓋量最大一次,作品量級最高」來概括這次展覽,他介紹,不論從製作投入還是影響力方面,此展都是UCCA最具野心的一個展覽項目。「我們始終堅信,華人世界觀眾應有機會欣賞最高水平的展覽,這些展覽所引發的交流與討論,也將成為這個特定歷史情境中的文化風向標。」

 

 

「就畢卡索而言,『天才』也許首先是一種特殊個性的體現,這種個性與其所屬時代的藝術慣例格格不入,毫無疑問,從這個角度來看,沒有什麼比『天才』這個詞更適合形容這位19世紀之子,他再創造的能力讓他不斷背離所有同時代的創作教條。」──艾蜜莉亞‧菲利普(Emilia Philippot)

艾蜜莉亞‧菲利普(Emilia Philippot)

國立巴黎畢卡索博物館藏品總監、本次展覽策展人

 

畢卡索如何成為畢卡索

mu:【畢卡索:一位天才的誕生】全面回顧了畢卡索創作生涯的前30年,力求呈現出藝術家從早期到中期的藝術成長經歷,為什麼將時間點定位於此?

艾蜜莉亞‧菲利普:最早一次在北京舉辦的畢卡索展覽可以追溯至1983年,那一次展覽只展出了大概33件畢卡索的作品,並且是一些特別著名的作品以回顧展的形式呈現。這類型的展覽沒有觸及畢卡索創作生涯和創作內容的發展,所以對於絕大多數沒有理論基礎的公眾來說,並沒有機會理解「畢卡索如何成為畢卡索」的發展過程。

在中國,大部分觀眾主要是透過複製圖像來認知畢卡索,因而有深度接觸的主要是比較著名的繪畫作品。當我們去看畢卡索的教育背景,就能更好地認識到他的藝術生涯軌跡。對於這些早期作品的觀看,也有助於我們更加深入地認知畢卡索的現代性。所以我們透過展出前30年代表作作品,能夠容易讓公眾理解畢卡索整體藝術風格形成的過程。

 

mu:在選擇到中國展出的103件作品中,能否給我們講述幾件你認為有故事、有特別意義的作品?

艾蜜莉亞‧菲利普:創作於1901年末的油畫《自畫像》,那時畢卡索只有20歲;創作於1906年秋的另一幅《自畫像》,從這幅畫作中可以看出他對抽象表達最前期的實驗性探索;以及創作於1920年的《習作》,大量視覺元素在畫布上平等地呈現。儘管可能有些難懂,但你真的可以從這件作品中看出他創作思維上的革命性與獨立性,在畢卡索這裡,所謂「風格」從來都不在他的考慮範疇內。所以,畢卡索自己也說:「去他的風格!上帝就沒有風格」。

 

mu:此次和中國藝術機構合作,選擇了UCCA,在798舉辦展覽,是出於怎樣的考量?對你來說,透過策劃這次展覽有怎樣的收獲?

艾蜜莉亞‧菲利普:798是一個非常有活力並快速發展的藝術區域,這裡具有非凡的創造力,在這裡呈現畢卡索是非常有趣而令人興奮的。無論在何時我面對畢卡索的作品,都會感覺到一種無盡的樂趣、靈感、提問,這些元素也一直和當下的歷史、政治、美學觀念密切相關,展示畢卡索就意味著提出新的思考、新的闡釋、新的激情,我認為它們是永恆自新的。

 

mu:說到畢卡索,很多人會將注意力集中到他作品高昂的價格和眾多的緋聞之中,對這次展覽而言,我們的聚焦點何在?

艾蜜莉亞‧菲利普:我相信所有的人都知道「畢卡索」這個名字,且透過各種他作品的圖像,對他中後期的作品有最基本的瞭解,尤其是《Guernica格爾尼卡》等名作。

而在這個展覽當中,我試圖讓觀眾明白,為什麼畢卡索是個天才。要把這一點解釋清楚,你就必須得回到他藝術創作的開端處,去瞭解他的家世背景,去瞭解他技巧的發展,去理解他的作品為什麼在那個年代屬於「革命性」的。

 

mu:這次【畢卡索:一位天才的誕生】在策劃上有什麼特別之處?

艾蜜莉亞‧菲利普:此次展覽共有5個展廳,加上一個像西班牙廣場式的建築,這個建築其實與5個展廳會相互呼應,這樣就會在畢卡索的不同風格,不同作品和時期之間形成這樣一個對話。

我們試圖從藝術和理論,而非個人傳記的視角,來解讀這位著名藝術家的天才與複雜之處,畢卡索不囿於任何所謂的風格或流派,他的創作發展也並不能夠簡單地以時間段來劃分。我真的很想說,在畢卡索的生涯當中,是不存在直線性的發展的。

他的創作生涯是一個圓圈,一些創作元素會反反覆覆出現在他不同時期的作品當中。他是一個崇尚絕對自由的人,不論是他的個人生活、政治傾向還是藝術創作中,你都會發現對他來說,邊界和限制是不存在的。

此次展覽在不同創作階段之間保留了開放性和穿越性的視角,由此呈現同時存在於畢卡索身上多種看似矛盾的藝術語言,也使觀眾得以體察這些藝術風格轉變背後的歷史與個人生活現實,從自己的角度產生獨到理解。

 

1、2、5.展覽現場

3.《Self-Portrait自畫像》,巴黎,1906年秋,布面油畫,65 x 54 cm,國立巴黎畢卡索博物館©Succession Picasso 2019

4.《Self-Portrait自畫像》,巴黎,1901年末,布面油畫,81 x 60 cm,國立巴黎畢卡索博物館©Succession Picasso 2019

 

 

 

「在當代藝術這個範疇之內,人們總想找出更新的東西,但如果我們想與當代藝術或最新的東西保持一點距離的話,畢卡索是十分值得研究的。我們應該思考藝術家是如何審視世界,如何將世界轉換成他們的藝術語言的。」

──洛朗‧勒邦(Laurent Le Bon)

 

洛朗‧勒邦(Laurent Le Bon)

國立巴黎畢卡索博物館館長

 

讓世界看到他

mu:這次遴選展覽作品的標準是什麼?

洛朗‧勒邦:本次展覽作品的選擇基於讓中國觀眾瞭解「畢卡索之所以成為天才的原因和途徑」。當然,很多代表作都是因為作品本身的表現力而甄選出來,但我們篩選作品也綜合考慮到藝術家在所有藝術領域的巨大創造力:不僅是繪畫,還有雕塑、素描、版畫,以及畢卡索與芭蕾舞團合作的服裝設計等作品。

 

mu:對這次展覽而言,我們關注的核心點是什麼?

洛朗‧勒邦:本次展覽聚焦於超越當下對畢卡索所抱有的普遍觀點。他可能是世界上最著名的藝術家,當我們談論畢卡索時,每個人似乎都瞭解他,卻又是雪泥鴻爪。比如,他是「立體主義」的創始畫家之一,他是巨作《格爾尼卡》的創作者。然而,他的作品比這些浮光掠影要複雜得多,為了深入他的世界,我們有必要回到他的藝術生涯的開端,研究他如何發明一種新的造型語言,它們在某種程度上與現代藝術的誕生相互對應。

 

mu:能為我們講述一下,令你印象深刻的作品嗎?

洛朗‧勒邦:我個人最喜歡的其中一件是畢加索1972年完成的《Young Painter年輕畫家》,為展覽的收尾之作。《年輕畫家》讓參觀者敞開心扉,發散思維,不斷在腦海中更新藝術家不同類型的個人形象。畢卡索在91歲時完成這幅自畫像,手法精煉乾脆。他把自己描繪成一個年輕的創作者,但卻意識到死神臨近,畫中人物的雙眼空洞,頭部輪廓肖似骷髏,但卻帶著美麗而羞澀的微笑。他好像知道,在他去世之後,他的遺產依舊長存。這是一件非常動人的作品,寓意深刻。

 

mu:你希望這次展覽能夠取得怎樣的效果?

洛朗‧勒邦:我個人非常希望這個展覽能夠吸引更多的參觀者,讓他們面對面欣賞畢卡索的真跡,鼓勵他們從新的視角欣賞畢卡索的作品,能夠激發他們對畢卡索、同時也是對現代藝術和創新的造型語言產生好奇心。

國立巴黎畢卡索博物館的使命之一,是將畢卡索的作品不僅傳播到巴黎或者法國,而是傳播到世界各地。畢卡索是一位國際藝術家,他的作品無處不在。然而,這種情況並不意味著他的作品已經在世界各地展出。國立巴黎畢卡索博物館的目的是為分享藝術家的作品做出貢獻,透過提供理解畢卡索藝術的線索和提出討論、辯論的方向,來鼓勵更新畢卡索的藝術視野。因為直到今天,畢卡索的藝術仍舊非常當代,依舊鮮活。

 

「對於UCCA而言,此次展覽標誌著我們實現了自2007年創辦以來即秉持的一個夢想,我們不僅展示當代藝術的最新發展動向,而且透過展示現代大師的創作,來審視當代藝術的根基。我們相信,畢卡索的故事與我們華人世界的觀眾是相關的,因為這裡的獨立個體仍在繼續應對創造力、獨特性和革新性的挑戰。」

──田霏宇(Philip Tinari)

 

田霏宇(Philip Tinari)

UCCA尤倫斯當代藝術中心館長兼CEO

 

華人世界應有機會欣賞到最高水平的展覽

mu:【畢卡索:一位天才的誕生】是UCCA成立以來舉辦的第一個現代藝術大師展,而且被認為是「中國最大規模畢加索展」,UCCA舉辦這一展覽,出於怎樣的考慮?

田霏宇:UCCA從2016年開始轉型,2017年徹底進入重構,2018年處於各種重生和改造,一直到今天才完成。為了舉辦一個世界級展覽,我們必須把自己變成世界級機構,所以這次展覽對於UCCA全部員工和支持的群體是一次非常大的考驗。

【畢卡索:一位天才的誕生】緣起我相信藝術的力量:一是將人聚在一起,二是影響和改變人的生活。處在這個世界瞬息萬變的時代,藝術將我們聚會於此,而透過聚集、分享與學習,我們的軌跡或多或少都發生了改變。

 

mu:具體而言,你希望【畢卡索:一位天才的誕生】能給中國和華人世界的觀眾帶來怎樣的改變?

田霏宇:這個展覽不是簡單巡展,而是為UCCA以及中國觀眾量身打造的一次展覽,這是第一次,也是唯一一次將畢卡索真跡作品如此大規模集中在一起展示,並以獨特敘述邏輯呈現。

畢卡加索的故事與當代觀眾是緊密相關的,因為這裡是獨特個體仍在繼續應對創造力,獨立性和革命性的一個挑戰。我們始終堅信,華人世界觀眾應有機會欣賞最高水平的展覽,這些展覽所引發的交流與討論,也將成為這個特定歷史情境中的文化風向標。

 

 

去他的風格!上帝就沒有風格。

──《亞維農少女》誕生之前

 

「去他的風格!上帝就沒有風格……跟我一樣,上帝創造了從未有過的事物,我也創造了不存在的事物。」

 

在二十世紀上半葉的西方藝術史上,畢卡索的地位無人能撼。他的畫風多變卻人盡皆知,從油畫、拼貼、素描到雕刻、陶器、版畫、舞臺設計,無所不包;他才華橫溢,從青年到暮年,無時無刻不迸發著鮮活的創造力,留下了至少6萬件藝術作品;他對自己不熟悉的任何藝術形式和技法都極為好奇,迫不及待地想要嘗試,他的名字被深深地刻進了「現代藝術」之中。

法國評論家貝納達克(Marie-Laure Bernadac)在其《畢卡索》一書中,不僅將其稱作一位真正的天才,還聲稱「20世紀正是屬於畢卡索的世紀,如果沒有畢卡索,整個現代藝術都將改觀」。

 

藍色主宰的畫面:

藝術是悲傷及痛苦的產物

 

畢卡索的藝術生涯也令人驚嘆,其9歲完成的素描作品就令身為職業畫家的父親折服;12歲時宣稱「我就像拉斐爾一樣畫畫」;14歲時以優異的成績考入巴塞羅那美術學院……

年輕的畢卡索,就已掌握了扎實的藝術技法,對古代繪畫也有深刻的理解,顯露出聰穎的天資和嫻熟的繪畫技巧。然而,其早年的生活始終縈繞著揮之不去的憂鬱。即便在與朋友歡聚時,生命的悲劇也始終籠罩著他。

畢卡索曾在年幼時發誓,如果多病的妹妹康琪塔(Conchita)能活過來,他就放棄繪畫,然而,妹妹還是在他13歲時死於白喉。

1899年的春天,畢卡索與畫家卡洛斯‧卡薩吉瑪斯(Carles Casagemas)相識,兩人很快成為創作夥伴並於次年同赴巴黎。然而,就在1901年2月,戀上有夫之婦的卡薩吉瑪斯試圖槍殺情人未果,飲彈自殺身亡。友人的早逝讓畢加索陷入長達三年的夢魘,也成為他開啟藍色時期的契機。畢卡索說:「正是想到已經死去的卡薩吉瑪斯,我才開始用藍色作畫。」

畢卡索好友、詩人阿波利奈爾(Guillaume Apollinaire)則稱:「在一年的時間裡,畢卡索都可憐巴巴地活在浸透了藍色的油彩中,就像在萬丈深淵的底部。」

在《La Mort de Casagemas卡薩吉瑪斯之死》一作中,還能看到畢卡索曾受到梵谷的影響,畫面飽和的色彩和寬闊的筆觸都源自於印象派和後印象派。批評家傑克‧弗拉姆(Jack Flam)認為,畢卡索「在一張畫面上,合併了對康琪塔和卡薩吉瑪斯之死的自責和內疚感」。

初到巴黎的異鄉人畢卡索,認為藝術是「悲傷及痛苦的產物」。妹妹康琪塔早逝的陰影尚未散去,好友又突遭變故,他在創作中探索人類的痛苦和悲傷,畫中的人物形象消瘦,陷入貧困、絕望與孤寂之中。這一時期,畢卡索陷入人生低谷,他的作品以藍色調為主,藍色主宰了一切。

在艾蜜莉亞‧菲利普看來,「The Blue Period藍色時期」是畢卡索早期的第一個具有他藝術標籤特性的一個時期,主要是從1901年一直到1904年的中期,這段時間他的風格主要是非常具有戲劇性,並且有這種悲傷的色彩,他描繪的很多畫中主人公都是窮人、妓女等等。

1901年完成的作品《Self-Portrait自畫像》被視為「藍色時期」的開篇傑作,也是巴黎畢卡索博物館最負盛名的藏品之一。畢卡索創作此作時,年僅20歲,但畫中人物已然步入中年,面容枯槁,臉頰凹陷,眼神呆滯,失魂落魄,鬍鬚雜亂。這種揮之不去的憂鬱,遊蕩在這一時期的《La Vie人生》、《The Blindman's Meal盲人的晚餐》、《The Old Guitarist老吉他手》等作品中。這些感傷地描繪窮人們的藍色時期的作品,今天卻成為富人們的最愛。

這一時期的畢卡索,逐漸放棄模仿前輩的後印象派繪畫風格,轉而塑造真正意義上最早的個人風格,並逐漸確立了最初的藝術身份。

 

6.《La Lecture閱讀》,波格魯,1932年1月2日,布面油畫,130 x 97.5 cm,國立巴黎畢卡索博物館©Succession Picasso 2019

7.《The Country Dance鄉村舞蹈》,巴黎,1922,布面固定色粉與油彩畫,139.5 x 85.5 cm,國立巴黎畢卡索博物館©Succession Picasso 2019

8.《Three Women Under a Tree樹下三人》,巴黎,1907年冬至1908年,布面油畫,99 x 99 cm,國立巴黎畢卡索博物館©Succession Picasso 2019

9.《Studies研習》,1920,布面油畫,100 x 81 cm,國立巴黎畢卡索博物館©Succession Picasso 2019

10.《Man Before a Fireplace壁爐旁的男人》,巴黎,1916,布面油畫,130 x 81 cm,國立巴黎畢卡索博物館©Succession Picasso 2019

11.《Man with a Mandolin彈曼陀林的男子》,巴黎,1911年秋,布面油畫,162 x 71 cm,國立巴黎畢卡索博物館©Succession Picasso 2019

 

 

驚遇非洲黑人藝術

「繪畫不是一個美學過程」

1904年,畢卡索定居巴黎蒙馬特山下的「活動洗衣舫(Bateau Lavoir)」工作室,與費爾南德‧奧莉薇(Fernande Olivier)同居。在奧莉薇眼中,畢卡索矮小、黝黑、厚實、不安而憂慮,帶著一雙烏亮、深邃、銳利、奇異而專注的眼睛。

在愛情的滋養下,畢卡索在作品中大面積使用歡快、明亮、愉悅的粉紅色,其創作主題常常以馬戲團、雜技表演者為主,描繪他們的生活狀態。明媚柔和的玫瑰色代替了沉重抑鬱的藍色,人物形象也富有了生命力和青春氣息。自此,畢卡索的創作進入了全新時期──「The Rose Period粉色時期」(或「玫瑰時期」)。

兩年後,畢卡索結識了現代藝術大師馬蒂斯(Henri Matisse),按照當時兩人朋友的說法──他們都具有「屬於天才的雄性特徵」。馬蒂斯作品中形象的自由度以及「野蠻性」,對畢卡索的發展起到極為重要的作用。畢卡索也從他那裡發現並迷上具有原始美感的非洲雕刻,他將非洲木刻的精華融入自己的作品中,逐漸開啟了藝術創作的變形之路,進入「立體主義(Cubism)」時期。

1907年,畢卡索參觀了特羅卡德羅人種博物館,被展出的非洲面具所征服。參觀完博物館之後,畢卡索在同朋友的談話中,一度用到「震驚」、「新奇」、「刺激」、「力量」等字眼。畢卡索第一次宣稱他在那些面具人像中,表現了不可思議的藝術想像力。

這些非洲面具深深地影響了他,他說:「我強迫自己留下來研究這些面具,人們為了神聖與魔法的目的製作這些物品……這時我才意識到這就是繪畫的意義。繪畫不是一個美學過程,而是介於這些力量與我們之間的一種魔法,一種獲取權力的方式,它凌駕於文明的恐懼與欲望之上。」

畢卡索後來曾回憶,「《Les Demoiselles d'Avignon亞維農少女》的靈感就是在那天萌發的……因為這是我第一張驅魔畫。」

這一時期完成的作品《Mother and Child母與子》已顯露出這種影響的趨勢,該作以奧莉薇和他們曾經領養過的孩子雷蒙為主題而創作,在畫中,兩人被簡化為兩個怪異的面具,不僅如非洲黑人藝術一般原始,也如孩童畫作一般原始。

1906年秋的《自畫像》,也在UCCA的展出之列。畫中膚色的顏料溢出人物輪廓,畢卡索用最簡練的方式表現陰影,五官的線條直接畫在臉部,而不是和臉部色彩融在一起。

25歲的畢卡索,表情孤獨、專注而又尖銳。「那是一種結合了迷失與期待的表情。」藝術評論家John Berger認為,在自畫像中,畢卡索的頭和身體力求具體,尋求一種可認知的形式,但尚未完全找到。「它們剛好在發現它、碰見它的階段……它再現了一種力圖變成看見的呈現。」畢卡索發現了表達這種暫時、但幾乎是絕對迫切的,「變成可見」所需要的繪畫方法。

 

沒有一個人能與他

分享超越時代的欣喜和痛苦

──《亞維農少女》誕生

 

1907年,在尋找、發明新的藝術語言的過程中,畢卡索完成了《亞維農少女》,開啟了一場徹底改變二十世紀藝術的革命。

該作被認為是一幅具有里程碑意義的傑作,不僅標誌著畢卡索個人藝術歷程中的重大轉折,也是西方現代藝術史上的一次革命性突破,最終誕生了影響現當代藝術發展的「立體主義」。

在《亞維農少女》中,畢卡索將人物面部直接描繪成面具的形象。他放棄此前繪畫注重空間、立體的規則,完全用平面的方式描繪一張變形,扭曲,被分割成塊狀的臉,甚至連五官也是扭曲的,線條也充滿暴力感。

藝術史家John Richardson描述此作「整個畫面充滿了性慾,並且它的風格也不連貫……」他認為,畢卡索的作品變化多端而又充滿悖論,以至於難以被限制於單一的解讀。

在UCCA展出的《〈亞維農少女〉習作:蹲下的女子頭像》中可見,畫中人物奇特的雙眼、整體上的粗糙感和神秘感,無疑同伊比利亞半島的石刻頭像有關。

創作此作的畢卡索,過著一種「隱居」的生活。「儘管朋友們都很支持他的抱負,但是卻沒有一個人能理解這一抱負所採取的圖像形式。」當他邀請朋友參觀作品時,他們感到困惑,尷尬地沉默或者勉強讚美幾句。唯一可能的買家Gertrude Stein看到這幅折磨了畢卡索六個多月的畫作時,「捧腹大笑,笑彎了腰」。

對畢卡索而言:冒一切的風險,這就是我喜歡的,冒險才能突然發現真相。在法國詩人波德萊爾(Charles Baudelaire)看來,他在這個領域走得太遠而難以被大家跟上步伐,所以他感受到的痛苦多於喜悅。「沒有一個人能與他分享超越時代的欣喜和痛苦。」在完成《亞維農少女》後,畢卡索真正開啟「立體主義」時期的藝術創作。

 

成名之路:

天才和魔鬼之間

直到1916年,《亞維農少女》才被展出,在展出後,此作也只是被認為是繪畫史上令人難以置信的「創新」,其最大的討論點在於作品的原始力量和肆無忌憚的題材。

直到1920年代,André Breton將此作發表,作品才被視為巨大的革命性的成就。他稱此作,「這是一幅與契馬布耶(Cimabue)的《聖母》一樣,值得我們在首都大街上遊行慶祝的繪畫。」在Breton對此作進行詳細充分地討論之前,這幅畫並不被認為是革命性的。而在1907年,唯一意識到作品重要性的只有畢卡索本人。

《亞維農少女》最終由作品的最早收藏家古德伊爾(A.Conger Goodyear)透過瑟里格曼畫廊,以6倍於畢卡索出售時的價格賣給了紐約現代藝術博物館(MoMA)。為了獲得畢卡索的《亞維農少女》,MoMA出售了一幅德加的作品和幾件來自莉莉‧P‧布利斯的贈品。至此,《亞維農少女》被視為二十世紀最著名的繪畫之一,這幅作品的成功收購也被視為MoMA收藏史上的里程碑。Christopher Green認為,這幅畫給我們留下的是尚待澄清的歧義:一種風格上、文化上和感情上的矛盾心理。

《亞維農少女》也帶來了畢卡加索命運和性格的轉變。Mary Ann Caws研究認為,隨著畢卡索漫長人生時光的流逝,他越來越善於偽裝。畢卡索對偽裝的強烈愛好不亞於他對女人和工作的狂熱,隨著歲月的流逝,這種嗜好更強烈。「畢卡索在一件接一件換著戲裝……」

1973年,92歲的畢卡索去世後,在亞維農教堂舉辦畢卡索展,時任教主Rene Char在序中提到:這位本世紀最讓人捉摸不透的創作者,以最大的限度跨越──逃脫的方式辭世那一刻起,是否已提前完成了時代的使命?

藝評家John Berger在《畢卡索的成敗》一書中指出,畢卡索只是在1907年到1914年的立體主義時期才有所建樹。他如此定義:畢卡索是天才,畢卡索是瘋子,畢卡索是當世最偉大的藝術家……畢卡索的作品毫無意義:小孩畫得比他好,畢卡索玩弄我們。

 

12、13.展覽現場

14.《Lovers戀人》,巴黎,1919,布面油畫,185 x 140 cm,國立巴黎畢卡索博物館© Succession Picasso 2019

15.《Tete de Femme女子頭像》,坎城,1957,彩繪切割木料,78.5 x 34 x 36 cm,國立巴黎畢卡索博物館©Succession Picasso 2019

16.《Mother and Child母與子》,巴黎,1907年夏,布面油畫,81 x 60 cm,國立巴黎畢卡索博物館©Succession Picasso 2019

 

他生活中的女人,最終都是犧牲品

──被「拋棄」的畢卡索

 

「對於畢卡索來說,給女人畫像就是一種誘惑她的方式。當畢卡索一旦歇手不畫她們了,她們的一切也就完了。」

 

關注畢卡索的人都已習慣:畢卡索每換一個妻子或情人,他的風格就會變化一次。對於女人,畢卡索說:「要嘛是女神,要嘛是床伴。」在John Richardson的《A life of Picasso畢加索的生活中》,他直言:「他生活中的所有女人,最終都是犧牲品。」

藝評家Robert Hughes也在其著作《畢卡索》中談道:「畢卡索熱愛強烈而特殊的感情,對他來說,能將各種情感以最強烈的方式結合在一起的事物就是性,畢卡索從不試圖隱藏他對性的看法。」在他的畫作中,人們幾乎可以透過一陣陣間歇發作的情慾、敵意、渴望、閹割恐懼、征服和性無能的幻想,以及自嘲、敏感和男性的快樂來追尋他每一條的生活軌跡。「終其一生,畢卡索的情慾本能,總是與他頭腦中怪誕的扭曲和變形的意象交織在一起。」

畢卡索也曾自言:「將眼睛放在雙腿之間,或是把性器官安在臉上。……我的畫是一系列公雞和牛的故事……」在男女關係上,畢卡索任性而有控制慾。

畢卡索一生中有兩位正式的妻子:奧爾嘉(Olga Koklova)和賈桂琳(Jacqueline Roque)。長期情人至少有五個:Fernande Olivier、Eva Gouel、Marie-Therese Walter、Dora Maar、Françoise Gilot,那種逢場作戲的私情更是數不勝數,畢卡索身邊從來不缺換來換去的年輕女孩,她們成為畢卡索重要的靈感來源,留在了畫中。然而,一旦她們不能再激發畢卡索的靈感,就只能被拋棄、被忘記……

在為數眾多的畢卡索女性伴侶中,唯一大膽拋棄畢卡索的是他的最後一位情人──芳絲華‧吉洛特(Françoise Gilot)。

21歲風華正茂的吉洛特結識了61歲早已名滿天下的畢卡索,不久後成為了他的謬思,開始了這段歷史上有名的「虐戀」。與吉洛特戀愛的同時,畢卡索進入了繪畫晚期,也就是「Pastoral Period田園時期」,他返璞歸真,畫了大量的「兒童簡筆畫」。

1946年,吉洛特與畢卡索開始一起生活,因為畢卡索的第一任妻子拒絕離婚,他們一直沒有結婚。1948年,畢卡索和吉洛特搬到法國南部瓦洛里(Vallauris)的鄉間居住,那是戰後的寧靜日子,歲月靜好,日子悠然。次年,他的女兒Paloma Picasso誕生。他的藝術進入一段安詳、和諧,帶著詩意的田園時期。

在1940~1950年間的作品中,吉洛特不斷出現在畢卡索的作品中,而畫中吉洛特的臉蛋,常常被表現為程式化的太陽或者植物。王中軍購藏的《Femme au Chignon Dans un Fauteuil盤髮髻女子坐像》也是以吉洛特為模特兒而完成的作品。吉洛特在1947年和1949年分別為畢卡索生了兩個孩子──克勞德(Claude)和帕落瑪(Paloma),那是吉洛特和畢卡索相互對話、激發、依靠的日子。在巴黎郊外躲避戰爭之時,吉洛特和一雙兒女成為畢卡索最最喜歡的模特兒。他常常就同一主題──他們的家,尤其是兩個孩子進行創作。大連萬達以1.72億競買下的《Claude et Paloma兩個小孩》,就是以他這兩個孩子為靈感而作。

這一時期,畢卡索和吉洛特也進入了藝術創作的多產期,除了繪畫之外,畢卡索還進入陶瓷、雕塑和平面印刷領域。與畢卡索的作品相比,吉洛特的作品則更為寫實,在她的作品中,孩子是真實的人,而不是抽象的色塊。

在這一時期,吉洛特以各種形式出現在畢卡索的作品中,可能是花朵、櫻桃,也可能是穿著鎧甲的武士,或者龍蝦。「他畫了一系列身穿盔甲的中世紀武士,騎著高頭大馬,腰身很細,那就是我。」吉洛特說,「他抱怨我從不卸去盔甲,我說:『是的,因為我不想被殺掉。』他還畫了很多龍蝦,那也是我,外面有一層保護殼。」

當吉洛特全身心地投入畢卡索的生活時,卻越來越清晰地感受到畢卡索「從未瞭解過她」。生活中的畢卡索,「粗暴、殘忍、冷酷無情,無論是對自己還是對別人。他以為自己是上帝,可他不是,這令他煩惱。」吉洛特對畢卡索的其他幾個女人也相當熟悉。她說:「畢卡索永遠在對所有人撒謊,為的是讓她們順從地圍繞在自己身邊。」

1953年,吉洛特毅然決然離開畢卡索,後來與藝術評論家Carlton Lake完成了全球暢銷的《Life with Picasso與畢卡索同居的日子》一書,畢卡索氣急敗壞,他憤然起訴出版商,意圖阻止圖書出版,但是以敗訴告終。

這本回憶錄取得了空前的成功,被翻譯成十幾種文字,單是英文版就賣出了100多萬冊,也成為研究畢卡索的重要文獻。

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